UN VERANO PARA MATAR - SUMMERTIME KILLER

Esta es una película que había visto varias veces de adolescente y se convirtió en una de mis favoritas. Años después, de adulto, me quedé con la duda de porqué me había impresionado tanto.

Era una película "de acción", como llamábamos a los thrillers entonces. Se había filmado como una “coproducción internacional”. Este era el nombre que se daban a películas comerciales europeas que intentaban competir con Hollywood. Con esta finalidad, dichas “coproducciones” normalmente tomaban "de prestado" una o dos estrellas de Hollywood para la ocasión. La idea era hacer en Europa una película que pareciera una superproducción de Hollywood, de forma que atrajera al público como si se fuera una película "made in Hollywood". Por lo general, a fin de dividir costes, varios productores de diferentes países participaban en el presupuesto y cada productor se quedaba con los derechos de distribución en exclusiva en su país (de forma que, por ejemplo, un productor francés, se quedaría con los derechos de distribución en países de habla francesa; un productor español, en España y Sudamérica y así...). Los resultados fueron desiguales, cuando no del todo malos, porque el público, por lo general, prefería ver el original que una copia, es decir,  películas de  Hollywood hechas en Hollywood que imitaciones europeas.  Con todo, a veces estas “coproducciones internacionales” se hacían de oro. Esto sucedía cuando llamaban la atención de las "Majors" (grandes estudios) de Hollywood, consecuencia de su éxito en Europa. Entonces, si una "Major"  compraba los derechos de distribución en inglés para los USA y otros países de habla inglesa, esto significaría para estas “coproducciones internacionales” una distribución mundial en inglés, lo mismo que si se hubieran producido en  Hollywood. 

En el caso de “UN VERANO PARA MATAR" (“SUMMERTIME KILLER”, 1972), se trataba de una coproducción hispano-francesa-italiana, dirigida por uno de mis favoritos, el director español ANTONIO ISASI. El reparto era “internacional” e incluía a Chris Mitchum, entonces un actor prometedor que nunca llegó a materializarse;  Olivia Hussey, por entonces famosa por “Romeo and Juliet” (1968), un film dirigido por Zeffirelli, que lanzó su carrera; Claudine Auger, una ex-chica Bond (“Domino” en "Operación Trueno“  -“Thunderball”-, 1965); y dos veteranos,  Karl Malden y Raf Vallone. El film se estrenó en  Nueva York en más de cuarenta cines (1) y fue distribuido en los USA por Joseph E. Levine (2), productor de grandes éxitos como "Un Puente Lejano" ("A Bridge Too Far", 1977). Es decir, que Hollywood creyó en “UN VERANO PARA MATAR" (“SUMMERTIME KILLER”, 1972).   

UN HÉROE DE UNA NUEVA GENERACIÓN 

Para la mayoría de la gente en la España de 1968, los acontecimientos que tuvieron lugar en Paris en Mayo 68 resultaban muy lejanos. España entonces estaba bajo el férreo control del régimen de Franco (3) y el hecho que unos estudiantes en Paris pudieran llegar a paralizar el país era del todo inconcebible en la España de aquel entonces.  Consecuentemente aquí en España no experimentamos (aunque, en mi caso, no era más que un niño pequeño entonces) las "sacudidas" que tuvieron lugar en el mundo occidental (el movimiento hippy, la revolución sexual, Mayo del 68 y demás…) al final de los “sixties” (años sesenta del siglo XX). En cierto modo estos movimientos significaron la ruptura entre la generación anterior, la que había vivido la Segunda Guerra Mundial -o la Guerra Civil en el caso español-, y la nueva generación o la más joven, que estaba tomando consciencia de su mayoría de edad, rechazando los valores de  la generación de sus padres.    

Aquí en España también nos perdimos (fueron prohibidos por la censura) todas las "pelis rebeldes" que surgieron en aquel entonces, como “Easy Rider” (1969, por Dennis Hopper), “If…” (1969, por Lindsay Anderson), “More” (1968, por Barbet Schroeder), “La Chinoise” (1967, por Jean Luc Godard)… Por "pelis rebeldes”, me refiero únicamente a películas de jóvenes contra el establishment (el sistema), dejando a un lado otras película de la época, como los de la revolución sexual (como “El Último Tango en Paris” –“Last Tango in Paris”-, 1972) o con carga política o social (como “La Batalla de Argel” –“La Battaglia di Algeri”-, 1966).    

En el caso de “UN VERANO PARA MATAR" (“SUMMERTIME KILLER”, 1972), tenemos a un héroe, Chris Mitchum, que aparece en pantalla vestido en jeans, sin americana y corbata, con el pelo largo y desaliñado, es decir, como alguien perteneciente a esta generación “rebelde”, también conocida como la generación “hippy”, “flower power” o “Love generation”. Visto con perspectiva, fue un detalle inteligente por parte de Isasi, el director, de presentar a nuestro héroe como un tipo "rebelde" en vez de un tipo con un corte de pelo a lo militar.   

Pero lo que hace diferente a nuestro héroe es que no tiene nada que ver con la generación anterior. De hecho, rechaza el legado de lo que aquí llamaremos la "generación previa", la de sus padres. Es más, no tiene ninguna figura paterna o un mentor de la "generación previa" (la de su padre) que le guíe o le ayude en el curso de la película.  Esta es una característica que hace de “UN VERANO PARA MATAR" (“SUMMERTIME KILLER”, 1972) diferente de otros thrillers de Hollywood porque, como norma, en todas las películas americanas hay una figura paterna o mentor que, en un momento determinado, le dice al protagonista  lo qué tiene que hacer y, consecuencia de hacer caso de dicho consejo paternal, el protagonista toma el rumbo adecuado.  En el caso de “UN VERANO PARA MATAR" (“SUMMERTIME KILLER”, 1972), uno se imagina que el personaje interpretado por Karl Malden, el capitán John Kiley, un inspector de policía que está siguiendo el rastro de  nuestro héroe, terminará cambiando de bando para ayudarle. Pero quizás porque esta no es la clásica producción de Hollywood, en cambio lo que tenemos es una película donde la generación actual  -la de nuestro héroe "rebelde"-  no quiere saber nada de la "previa" -la  generación de la segunda Guerra Mundial o de la Guerra Civil, en el caso español-. Teniendo en cuenta que Isasi, el director, tenía más de cuarenta años cuando dirigió esta película -esto es, pertenecía a la generación "previa" o de la Segunda Guerra Mundial-, el hecho que reflejara este cisma generacional, debe ser tenido en cuenta a su favor.  

Al principio de la película descubrimos que nuestro héroe "rebelde", Raymond Castor (Christopher Mitchum), fue testigo, siendo un niño, del asesinato de su padre a manos de un grupo de mafiosos que, después de golpearlo,  le dejaron morir ahogado en una piscina… 

A continuación, hay una foto fija del niño con su madre mientras escuchamos un diálogo entre la madre y un inspector de policía. La madre  rehúsa cooperar con la policía sobre los asesinos de su marido, porque esta es la forma -oímos decir a la madre- que tenemos de tratar estos asuntos.  

Por lo que, según la generación “previa", el asesinato del padre de nuestro héroe queda sin resolver porque esta era la manera de hacer de la generación “previa”. 

Entonces la película pasa a la actualidad (se filmó en el año 1972) con el niño convertido en un adulto (nuestro héroe) que quiere vengarse  de los asesinos de su padre.  

Aquí, en lo que me parece un giro argumental interesante, nuestro héroe  parece un tipo ordinario. Quiero decir,  que no es un tipo fornido y nos ahorramos escenas o comentarios de su pasado  como  soldado, poli o mafioso. Es decir, no se nos muestra al personaje de Chris Mitchum como un “asesino profesional” o alguien que ha sido “entrenado” en el uso de armas. Esto hace que su determinación de vengar a su padre nos parezca más idealista porque le vemos como un tipo “normal” decidido a conseguir la justica que le fue denegada a su padre por la generación “previa". 

Tras acabar con dos de los asesinos de su padre en Nueva York, viaja a Roma para matar a otro y, a continuación, a Portugal, donde vive   el último asesino de su padre,  Alfredi Scarletti (Raf Vallone), un mafioso que se ha trasladado allí para plantar viñedos y producir vino… 

Esto nos permite en la película ver “sitios exóticos” como Nueva York, Roma, Lisboa… más el sur de Francia y España ¡Todo en una sola película! No debemos olvidar que estamos en el año 1972, cuando el concepto de viajar  “low cost” simplemente no existía.    

Por otra parte, el hecho que el último asesino,  Alfredi Scarletti, se hubiera trasladado a Portugal, en lugar de España,  nos parece un guiño a la censura española de la época, con el fin de dar la imagen de España como un país sin criminalidad. En mi opinión, era buena propaganda para el régimen de Franco presentar al vecino Portugal como un paraíso de mafiosos y los USA como un país infestado por el crimen. Porque la línea oficial entonces era la de que no había crimen organizado en la  España de Franco.  

Todos estos asesinatos de mafiosos causan preocupación en la mafia de Nueva York y su “Jefe” acude nada menos que a un inspector de policía, el capitán John Kiley (Karl Malden). El “Jefe” le dice a  Kiley que se tome unas vacaciones de su departamento, encuentre el rastro al joven asesino y lo atrape.  Las implicaciones de este diálogo claramente muestran que  John Kiley debe su puesto de capitán en el departamento de policía a la mafia. Por lo que es un policía corrupto, además de pertenecer a la generación “previa”. Aquí la peli quizás podría haber tomado partido contra la corrupción pero no lo hace. En el fondo, no estamos ante un cine denuncia contra la corrupción policial, sino ante un “thriller “o película de acción. Kiley (Karl Malden) ve la conexión entre el asesinato de los tres mafiosos y el asesinato del padre de Ray hace más de veinte años. También se acuerda que el asesinado tenía un hijo, Ray (Chris Mitchum), y viaja a Portugal porque cree que  Scarletti (Raf Vallone) será el siguiente de la lista.  

El último asesino,  Alfredi Scarletti (Raf Vallone), resulta ser más difícil para nuestro héroe, Chris Mitchum, porque nunca va solo. Por lo que Ray (Chris Mitchum) conoce a su secretaria, la hermosa Claudine Auger, en una escena de persecución  que todavía no ha sido superada. Es una escena del todo inesperada porque él la ve saliendo de la finca de Scarletti (Raf Vallone’s) en su coche y la sigue en su moto de campo a través (cross country). Por los baremos habituales, esta es una escena de “ligoteo” donde él debería conducir un coche deportivo, llevar un blazer y retarla a una carrera de coches que acabaría con ella aceptando su invitación a tomar algo... En cambio, aquí tenemos a Ray (Chris Mitchum) conduciendo su moto, vestido como un “rebelde”. Es una escena de acción, filmada de  forma realista (sin acrobacias imposibles), donde él intenta todo el rato llamar la atención del a chica con sus “proezas” en  moto. Esta escena termina con Ray (Chris Mitchum) y  su  moto en el mar...      

Lo que viene a continuación era una escena bastante chocante para la España del 1972: Ray sale de la ducha, envuelto en una toalla, en el apartamento de Michéle (Claudine Auger). Después de todo, cabría argumentar que le hacía falta una ducha  porque había acabado en el mar en la anterior escena de “ligoteo”. Ray se halla de pie, enfrente de ella, como un “objeto de deseo”.  Entonces ella toma la iniciativa y le besa.  Hasta esta escena, como norma, era el hombre que intentaba besar a la chica. Los personajes  femeninos eran siempre pasivos. El mensaje subyacente era que las mujeres, también en España,  estaban cambiando...   

A continuación sigue un interludio romántico entre Ray y Michèle, filmado en un estilo muy años sesenta: la cámara sigue a la pareja por Lisboa, ofreciéndonos algunas vistas tipo postal o turísticas. No podemos oír su diálogo y todo el rato suena una música tipo Francis Lai (Lai compuso la banda sonora de "Un Hombre y una mujer”, 1966, y "Love Story", 1970). Este breve intermedio termina con Michelle abriendo una carta de despedida de Ray, diciéndole (en inglés) "must take a rain check"(4)(“tengo que pensármelo”). Se trata de una carta escrita a máquina, no de su puño y letra. Es decir, que  Ray va con cuidado de no dejar pistas detrás de él. Se trata de un detalle sin  importancia pero que nos demuestra que Ray, aunque sea joven, no está tomando riesgos de ningún tipo.  

Lo que no vemos en este interludio pero se sobreentiende es que  Ray ha seducido a Michèle para obtener información de su jefe, Scarletti (Raf Vallone).  De esta forma, Ray descubre donde Scarletti tiene sus viñedos y que una hija suya está estudiando en la universidad en Francia.  

Tras este intermedio romántico, nos encontramos a Ray con un  rifle escondido en un bosque, esperando que llegue Scarletti a sus viñedos. Lo hace, montado a caballo con sus guardaespaldas, también a  caballo,  y armados con escopetas. Esta escena a uno le hace pensar que no habría complacido a la censura Española si este viñedo se hallara en España. Por lo que acertadamente, en mi opinión, Isasi situó esta escena en Portugal. Ray falla su disparo porque es deslumbrado por un coche que llega al encuentro de Scarletti, transportando a Kiley (Karl Malden). A continuación viene una muy lograda persecución, que nos recuerda a un western,  donde los guardaespaldas persiguen a caballo a Ray que consigue escapar en moto.  Es una escena de acción, también filmada de  forma realista, sin acrobacias imposibles. Recuerdo haber visto otra parecida en una peli de Van Damme, llamada "Nowhere to run" ("Sin escape"; 1993). Pero, obviamente, en una  película de Van Damme (al igual que ocurre con Stallone o Schwarzenegger), nunca te queda ninguna duda de quién va a ganar...   

 Tras el fallido intento de Ray (Chris Mitchum) contra Scarletti (Raf Vallone), Kiley (Karl Malden) se da cuenta que ha habido una filtración en la organización de Scarletti.  Por lo que lo vemos llamando a la puerta del apartamento de  Michèle (Claudine Auger) para interrogarla. En otra escena que nos muestra cómo estaban cambiando los tiempos, él le pregunta si ha conocido a alguien recientemente y si se lo puede describir. "Hermoso", le responde ella. Esta es una respuesta que nos demuestra que Michèle sentía por Ray una gran atracción física más que un “amor puro”. En mi opinión, hasta aquel momento, solo a los hombres les era permitido calificar una relación con una mujer únicamente como “sexual” o “física”, mientras que, en el caso de las mujeres, siempre se daba por supuesto que se debían enamorar perdidamente del hombre.  

Seguidamente Ray viaja al Sur de Francia y secuestra la hija de  Scarletti, la hermosa Tania (Olivia Hussey). Aquí, volviendo a lo que dijimos antes sobre la generación “previa“ y la "rebelde", hemos de indicar que Tania (Olivia Hussey) también es una "rebelde". Esto es, no es una chica dispuesta a cumplir con los deseos de su padre o los de la generación “previa” –la de la Segunda Guerra Mundial o la de la Guerra Civil, en el caso de España-. Esto la hace distinta de Michèle, quién después de todo, era una chica que estaba feliz trabajando con el padre de Tania, esto es, con alguien de la generación “previa”, con la que Ray no quiere saber nada.  En cambio, en el caso de Tania, lo primero que descubrimos de ella es que acaba de poner fin a una relación con un profesor de su universidad más mayor que ella. Teniendo en cuenta que es la hija de un Mafioso, cabría esperar que fuera el tipo de chica que siempre obedecería a su padre. Sin  embargo, esta escena de ruptura con un tipo mayor nos muestra a una chica que toma sus propias decisiones. En mi opinión, esta escena con el profesor nos enseña que Tania no hace caso de los valores de la generación de su padre –la que llamo generación “previa”-. Es decir, que Tania forma parte o pertenece a la  generación “rebelde”, la generación de Ray.  

Como decíamos antes, Ray secuestra a Tania y se la lleva a un escondite en España, cerca de Madrid, a una casa en un lago. Entre tanto, Scarletti (Raf Vallone) descubre que Michèle (Claudine Auger) tuvo un flirt con el tipo que ha intentado matarle y ordena a sus sicarios que acaben con ella. Uno no puede dejar de pensar que Michèle no ha sido más que un peón en la partida: engañada  y abandonada por Ray (Chris Mitchum), sin que tampoco Kiley (Karl Malden) le avisara de que corría peligro. Aunque, por otra parte,  Kiley estaba en una posición imposible ya que tampoco podía delatar a Scarletti ...  Siguiendo con nuestra premisa de que esta película refleja una brecha generacional, me parece que Michèle muere porque no estaba dispuesta a “romper” sus lazos con la generación "previa".  

 A su vez, tiene lugar una discusión entre Kiley (Karl Malden) y Scarletti (Raf Vallone), porque este último le pide a Kiley que deje el secuestro de su hija en sus manos. Por lo que Kiley seguirá por su cuenta su búsqueda de Ray.    

A continuación vemos cómo se desarrolla la relación entre Ray y  Tania en la casa en el lago, esto es, entre carcelero y prisionera. Ella no aparece intimidada por él e intenta escapar a la mínima (no hay que olvidar que ella también forma parte de esta generación “rebelde” al igual que Ray). Nos parece interesante destacar que el no emplea la violencia con ella para “tenerla bajo control”. En este aspecto, Isasi, el director, siguió otros derroteros. Con todo, hay un par de escenas reveladores del carácter de sus personajes, que queremos destacar: 

a) En una vemos a Tania (Olivia Hussey), encerrada en la casa del lago,  con una barra de colgar la ropa, intentando sacar “punta” de un extremo, a modo de lanza o arpón, para usar contra Ray. Ella permanece despierta mientras Ray duerme. Pero no termina de decidirse de matarle “a sangre fría”. Es decir, aunque sea la hija de un gánster (el cual no tiene reparos en cargarse a la gente), Tania no ha salido del mismo molde. Al día siguiente finalmente reúne el coraje para usar su “lanza” contra Ray y falla. No cabe duda que había dejado escapar su oportunidad de acabar con él mientras dormía...  

b) En otra escena, ella consigue escapar de la casa, nada hacia la motora de Ray, intenta arrancarla pero no lo consigue. En la siguiente discusión que tiene lugar con Ray, Tania se da un  golpe en la cabeza y queda inconsciente. A continuación la vemos en cama. Se despierta y pregunta a Ray donde está su ropa. Él le responde que se están secando. Lo que nos parece interesante de esta escena es que Ray no da la impresión de un pervertido. En su caso, parece más un gesto hasta “cariñoso”.    

Otra forma de ver estas escenas es a través del prisma de Hitchcock: 

a) La primera escena me recuerda a la “escena del horno en “Cortina Rasgada”: es una escena muy comentada en la que Paul Newman intenta matar a su enemigo ahogándole dentro de un horno. Se ha dicho que esta escena muestra lo difícil que cuesta matar a alguien de forma realista. Bueno, me parece que la escena de Tania con el arpón es de la misma clase. Pero, en el caso de Hitch, su “escena del horno” es bastante desagradable. En cambio, en el film de Isasi, la acción de Tania nos parece comprensible, incluso excusable.   

b) La “escena del falso suicidio” en  "Vértigo" (1958). Después que   Madeleine (Kim Novak) intenta suicidarse arrojándose al mar, Scottie (James Stewart) la rescata y la lleva a su apartamento. En una escena muy chocante para la época, ella se despierta en una cama sin ropa. Scottie le responde que se están secando en su cocina. A pesar de todo lo buen tío que a uno le puede parecer James Stewart, uno no puede dejar de pensar que ha sido un “mirón” mientas desvestía a Kim Novak... En cambio, en   "UN VERANO PARA MATAR (“SUMMERTIME KILLER”, 1972), la misma escena con Ray (Chris Mitchum) da la impresión de un gesto hasta “cariñoso”.  

 Tras lo que podría ser calificado de un comienzo accidentado, la joven pareja se enamora. Aquí la película me parece bastante "cliché":   ambos, Ray y Tania se sintieron abandonados en su infancia;  vemos que ella realmente se preocupa por él y finalmente hacen el amor, todo filmado en un marco idílico.  No hace falta decir que Tania (Olivia Hussey), en esta película, era la chica soñada por cualquier jovencito. Pero, entonces, no estamos en una película romántica sino en un "thriller” de venganza.  Hay un diálogo interesante donde Tania le pregunta a Ray que habría hecho si se hubiera suicidado durante su encierro en la casa del lago, insinuando que entonces no  habría tenido un rehén para pedir el rescate. El responde que la había espiado en Francia y estaba convencido que ella no era el tipo de chica que cometería suicidio. Esto podría haber dado lugar a un interesante diálogo que reflejara sus personalidades [como el de Robert Redford y Faye Dunaway en “Los tres días del cóndor” ("Three days of the Condor",  1975), donde también él la secuestra]. Pero "UN VERANO PARA MATAR (“SUMMERTIME KILLER”, 1972) no va por estos derroteros. Por otro lado, a medida que profundizan su relación, tampoco surgen dudas en Ray sobre su propósito de acabar con el padre de Tania (Raf Vallone) para completar su venganza. Además, tampoco se menciona el rescate que Ray solicita por ella ni los planes de huida de Ray para su  futuro inmediato (después de todo, no debemos olvidar que piensa matar a Scarletti (Raf Vallone) y liberar a su hija, Tania. Por lo que tendría que tener algún sitio pensado donde desparecer…]. A uno le parece, por ejemplo, que cuando Ray va a "Las Ventas" en Madrid para enviar la carta pidiendo el rescate a Scarletti, se le podría haber visto abriendo un apartado de correos o una caja fuerte, donde podría tener documentos falsos para su huida…  Todo esto no es hablar por hablar porque, en la película, mientras Ray y Tania están en la casa en el lago, podemos ver a Kiley estrechando el cerco en torno a Ray, ya que sigue su pista hasta su apartamento en Madrid, donde averigua que Ray tiene una casita en un lago... Uno se queda con la impresión de que hasta este “intervalo romántico” en el lago, Ray da la impresión  de un tipo muy cuidadoso mientras que, después, parece que haya echado toda precaución por la borda. Afortunadamente, este corto “intervalo romántico” no dura demasiado…  

A continuación viene el tercer acto o la explosión en la película. Ray deja a Tania encerrada en la casa del lago y va a "Las Ventas", la plaza de toros en Madrid. Este es uno de estos raros momentos en una película donde la mezcla o integración de lo que llamaríamos el "Typical Spanish" (lo castizo español) con un thriller moderno está conseguido. Por "Typical Spanish" me refiero a las corridas de toros, baile flamenco y demás tradiciones españolas. Para que sirva de contraste, en  Ia película “Noche y Día” ("Knight & Day", 2010), un vehículo para Tom Cruise, habían unas escenas de acción supuestamente filmadas  en "Las Fallas" de Valencia y durante las "Procesiones" de Sevilla, que resultaban del todo ridículas. No es el caso de “UN VERANO PARA MATAR” (“SUMMERTIME KILLER”, 1972), donde el ambiente de la plaza de  toros sirve para incrementar la tensión en la confrontación final de la película.  Este es otro crédito a favor de Isasi, su director. En cierto modo, me recuerda el final de “El Padrino: Parte III” ("The Godfather Part  III", 1990) en el Teatro Massimo en Palermo, donde la representación en directo de "Cavalleria Rusticana"  sirve para aumentar la tensión de lo que va a suceder en la película.  Ray no se decide, en el último momento, a disparar contra Scarletti (Raf Vallone) por el recuerdo de su hija, y queda herido en una pierna de un disparo de unos de los secuaces de  Scarletti.  Consigue escapar de la plaza de toros y, ya fuera, “toma prestada” (roba) una motocicleta. La consiguiente persecución tiene lugar. Termina con una colisión  en una autopista, donde una vez más el viejo proverbio de que “el perro es el mejor amigo del hombre” resulta ser correcto…  De forma inteligente, en mi opinión, no interviene ningún policía español en esta confrontación ya que, según las normas de censura de aquel entonces, uno cree que todo el mundo habría terminado siendo arrestado al final de la persecución... Alguien me comentó que esta persecución final no estaba  a la altura de lo que cabía esperar,  en el sentido que no habían suficientes acrobacias y explosiones. No estoy de acuerdo con esta opinión. Creo que la persecución final seguía en la tradición de "Bullit" (1968) y "French Connection" (1971): persecuciones de coches filmadas de forma realista. No fue hasta la década de los ochenta (del siglo pasado), en mi opinión,  que las películas de acción se hicieron en exceso ruidosas, con un montón de saltos increíbles y explosiones, debido a las series de “Arma letal” ("Lethal Weapon"), "Rambo" y "Terminator". Particularmente, prefiero la acción al estilo "Bullit”.    

Ray (Chris Mitchum)  finalmente consigue volver a la casa en el lago, donde le espera una sorpresa. En lo que es toda una elipsis, vemos a Kiley (Karl Malden) dentro de la casa con Tania (Olivia Hussey). No sabemos cómo se las ha apañado para llegar a la casa en medio del lago. Ray llega, entra y es desarmado por Kiley. Seguidamente vemos a Tania cuidando su herida. A preguntas de Ray, Kiley le contesta que no es Scarletti (Raf Vallone), el padre de Tania, quien le envía sino que alguien por encima de Scarletti. De nuevo, esto podría haber llevado a un diálogo interesante que revelara sus respectivos motivos o razones. Al día siguiente, nos enteramos que la herida de Ray no es grave en opinión de  Kiley y que Tania está enamorada de Ray. Abandonan la casa en el lago y seguidamente los vemos en un coche: Kiley conduce con Ray esposado y Tania, en el asiento trasero, cuidando la herida de Ray. No sabemos a dónde los lleva (si ha quedado con Scarletti u a otro encuentro...). Tanto  Ray como Tania parecen bastante desanimados, dispuestos a aceptar lo que les depare el destino, cuando, al llegar a una  parada de autopista, Kiley  se para y, de forma inesperada, libera a Ray y les dice que huyan en su coche. Aquí creo que hacía falta una explicación de los motivos de Kiley para liberar a Ray. Después de todo, Kiley había sido enviado por la mafia para encontrar al culpable de los asesinatos y acabar con él o entregárselo. Uno piensa que Kiley, al liberar a Ray, está rompiendo con su pasado de  policía corrupto. Por lo que hacía falta, en mi opinión, un flash back explicativo de como se había involucrado de joven con la mafia, tras esta escena de Kiley liberando a Ray. Bien un flash back de la cara de un mafioso hablando frente a la cámara, agradeciendo a Kiley haber “tapado” un asunto y prometiéndole que le darían “soplos” para que fuese ascendiendo en la policía… o una voz en off que Kiley recordaría, después  de liberar  a Ray, diciendo lo mismo. Pero tal como sucede en la película, parece que Kiley ha liberado a Ray y Tania para que puedan continuar su historia de amor. Vemos al final de la película a Tania y Ray conduciendo el coche, por lo que parece que han conseguido escapar y, a continuación, la mafia viene a por Kiley... (Pues no hay que olvidar que él no cumplió su parte del trato: no les entregó a Ray).  Aquí hacía falta,  en mi  opinión,  una carta de Tania dirigida a su padre (Raf Vallone), aunque no leyéramos u escucháramos su contenido, porque demostraría que Tania, en la película, “rompía” con su padre, esto es, se alineaba con la generación “rebelde” y rechazaba la generación “previa” de su padre. Incluso, Scarletti (Raf Vallone), después de leer la carta, podría haber ordenado sus sicarios o a su jefe en Nueva York que dejaran de buscar a su hija.  En los momentos finales de la película vemos a Kiley recordando a la joven pareja pero, para añadir más confusión a la cosa, se acuerda de Ray en una foto en blanco  y negro que había visto en el apartamento de Ray en Madrid. Se trataba de una foto de Ray, de niño, con sus padres ¿Tuvo algo que ver Kiley con el asesinato del padre de Ray? ¿O tenía “mala conciencia” por mirar al otro lado cuando acaeció este asesinato? Insisto, como Kiley no me da la impresión de ser un tipo que tiraría por la borda su carrera  para ayudar a una joven pareja enamorada, es por lo que creo que hacía falta la escena de un flashback o una voz  “off-screen” (fuera de pantalla) de un mafioso agradeciendo a Kiley su ayuda y prometiéndole un futuro brillante en la policía.

 ¿CINE NEGRO EN COLOR?

Pienso que “El último refugio” ("High Sierra", 1941), la película de  Raoul Walsh que lanzó a Humphrey Bogart al estrellato, constituye el modelo o patrón de todas las películas de “cine negro” (“Noir" films). Es un género que se originó  en  Hollywood en los años treinta del siglo pasado. Se puede argumentar que fue una consecuencia de la Gran Depresión que, en los USA, llevó a la realización de películas más pesimistas o con consciencia social para reflejar la dura realidad del momento.  Como alguien dijo en un debate en TV sobre “El último refugio”, es una película donde ya ves desde el principio que nuestro héroe, Roy Earle (Humphrey Bogart), acabará mal. Las películas de cine negro, como regla, eran pesimistas: no importa cuántas veces intentara el héroe redimirse, siempre terminaría en la cuneta. La fotografía en blanco y negro (B/N) ayudaba a retratar una sociedad sin esperanza y la mayor parte  de la acción ocurría por la noche, en la oscuridad de las ciudades (al contrario de los westerns, el paisaje  en los films del “cine negro” era urbano). Sus finales siempre tenían connotaciones morales de acuerdo con los rígidos estándares del Código  Hays (5). Más o menos este modelo o patrón se mantuvo hasta los “sixties” (años sesenta del pasado siglo).  

En los años setenta surgió un nuevo estilo de “cine negro”. Se trataba de películas rodadas en color, con un mensaje más optimista, con mucha luz y espacios abiertos, un héroe con un espíritu rebelde contra la sociedad que lo ha maltratado y un final ambiguo cuando no “abierto”. Durante mucho tiempo pensé que “La huida” ("The Getaway",  1972), de  Sam Peckinpah, fue el filme decisivo en esta nueva tendencia de  films de “cine negro”. Es una película con un final “abierto”, al igual que “UN VERANO PARA MATAR" ("SUMMERTIME KILLER", 1972): en ambas películas la pareja protagonista escapa en coche hacia el futuro… Sin embargo, “La huida” ("The Getaway") tuvo un final impuesto por la censura española en 1973: al final fue añadida una imagen fija, sacada del principio del film, de cuando Mc Queen estaba en prisión, mientras que una voz en off decía al público que Mc Queen había sido arrestado en  Méjico y estaba cumpliendo condena en una prisión federal de los USA  (no sé porque la película de  Isasi tuvo mejor suerte). Pero creo que "UN VERANO PARA MATAR" ("SUMMERTIME KILLER", 1972) es más significativa que “La huida” ("The Getaway") porque esta última no puede evitar seguir la tradición hollywoodiense de mantener una  “figura paternal”. Como antes habíamos mencionado, como norma, en todas las películas americanas hay una figura paternal o mentora que, en un momento determinado, indica al protagonista lo que tiene que hacer o el camino a seguir, y, siguiendo este consejo paternal, el protagonista se sitúa en el buen camino.  Esto se puede  ver en películas tan diferentes como “La huida” ("The Getaway", 1972) y “Erase una vez en Hollywood” ("Once Upon a Time in Hollywood", 2019). 

En el caso de “La huida” ("The Getaway", 1972), seguimos a Doc y  Carol Mc Coy (Steve Mc Queen y Ali Mc Graw) como una nueva pareja a lo Bonnie & Clyde, huyendo de su banda y de la policía. A medida que la película se acerca al final, uno no puede evitar la sensación que terminarán acribillados a tiros. Pero, entonces, hacen autostop y les recoge una camioneta “pickup”, cuyo conductor, un viejo interpretado por un veterano de Hollywood, Slim Pickens, se da cuenta que están huyendo de algo y se ofrece a llevarles a Méjico sin hacer preguntas.  Según la opinión de este viejo conductor, lo más importante es que Doc y Carol están casados y que  permanezcan juntos. Por lo que les lleva al otro lado de la frontera. Seguidamente Carol and Doc le compran su camioneta por un precio exorbitado (para así comprar su silencio) y huyen por Méjico en su camioneta mientras que el viejo conductor vuelve andando a casa muy contento... Este viejo conductor, en mi opinión, hace el papel de  una figura  paterna respecto a  Mc Queen y Mc Graw. En el momento que les dice que sigan juntos, a uno le da la sensación que todo va a salir bien... Y, siguiendo su consejo  y con su ayuda (pues les lleva a Méjico), seguirán libres al final del film.  Se podría argumentar  desde un punto de vista moral, que tanto Doc como Carol habían sido obligados por una banda a participar en el atraco a un banco; que después esta banda había intentado engañarles, que Doc y Carol únicamente se habían cargado a los miembros de la banda, pero  no a la policía, no obstante dejar fuera de circulación un número destacable de coches patrulla…  Es decir, que, con todo lo que han pasado, se merecían alcanzar la libertad al final de la película.   

 A idéntica conclusión se llega con una película tan reciente como “Erase una vez en Hollywood” ("Once Upon a Time in Hollywood", 2019). En esta “peli”, vemos al principio que la carrera cinematográfica de  Rick (Di Caprio) está en declive. No será hasta que Rick haga caso de su agente cinematográfico, Marvin Schwarz (Al Pacino), y se traslade a Italia, que su carrera se recuperara. Por lo que Al Pacino representa la figura paternal de Rick Dalton (Di Caprio), diciéndole lo que tiene que hacer.   

En el caso de  "UN VERANO PARA MATAR" ("SUMMERTIME KILLER", 1972) hay también un “final abierto” pero no hay ninguna “figura paternal”. Esta es la razón por la que lo elijo como el punto de partida de esta nueva tendencia de films "Noir" que los llamo “cine negro en color”.

SE BUSCA UN NUEVO DIRECTOR CON GANAS DE ARRIESGARSE 

"UN VERANO PARA MATAR" ("SUMMERTIME KILLER", 1972) no creó escuela. Isasi, en sus memorias, dijo que había firmado un contrato para hacer “una serie de películas de gran presupuesto y estampa internacional” (6) pero solo hizo el primero, esta película, por diferencias con los productores (7). En cuanto a los actores, uno se imaginaba que  tanto Chris Mitchum como Olivia Hussey seguirían una carrera llena de éxitos. Peo, en el mundo del cine, parece que nada sale como se esperaba.  

En el caso de   Chris Mitchum (8), uno creía que había encontrado un filón en los thrillers de motocicleta. Pero solo hizo dos pelis más, llevando una moto, bastante olvidables:  “Una gota de sangre para morir amando” ("Murder in Blue Word", 1973), una imitación española de “La naranja mecánica” (“A Clockwork Orange", 1971), cuando el original estaba prohibido en España (espero que lo entiendan), y “Ajuste de cuentas” ("Ricco the Mean Machine",  1973), una peli italiana “gore” (de “sang i fetge”, en catalán) que nunca he visto. A continuación hizo una carrera continuada con más de sesenta títulos de serie B hasta el 2012. Por lo que respecta a Olivia Hussey (9), tampoco alcanzo el estrellato, aunque trabajó en más de  40 películas hasta el  2007. Tras haber hecho dos grandes “hits” en Europa, como "Romeo and Juliet" (1968) y "UN VERANO PARA MATAR" ("SUMMERTIME KILLER", 1972), uno cree que le hacía falta un gran éxito en  Hollywood pero  no lo alcanzó. Apareció en “Horizontes perdidos” (“Lost Horizon", 1973), un “remake” de un clásico, filmado con un  gran presupuesto y un reparto internacional de campanillas, pero que fue un fracaso absoluto. Esta “peli” quizás habría tenido que ser su pasaporte a la fama si las cosas hubieran ido de otra manera.    

Con respecto a los dos veteranos, Karl Malden, en lo que parece una continuación de su papel como el capitán John Kiley, fue a protagonizar con un joven Michael Douglas “Las calles de San Francisco” ("The Streets of San Francisco"), una serie de TV que duró desde 1972 hasta 1977. En esta serie,  Karl Malden representaba la figura paternal con respecto al personaje interpretado por Michael Douglas pero sin las complejidades de su papel como el capitán Kiley. Digamos que interpretaba a un personaje “sin problemas” en esta serie: era el teniente Michael Stone, un poli veterano además de viudo, en lo que llamaríamos un personaje llano o plano. Con todo, su carrera profesional se extiende por un período de más de cincuenta años en el teatro y el cine. 

En cuanto a Raf Vallone, se le recuerda sobre todo por su papel como el Cardenal Lamberto en “El padrino: Parte III” ("The Godfather Part III", 1990), donde participó en una escena inolvidable, aquella donde convence a Michael Corleone (Al Pacino) que se confiese y le absuelve por el asesinato de su hermano.  

"UN VERANO PARA MATAR" ("SUMMERTIME KILLER", 1972) ha quedado como una rareza cinematográfica, un  “standalone film”, en el sentido que no hubieron más thrillers que lo siguieran con un héroe “rebelde” en motocicleta o con lo que aquí he definido como un ambiente o localización "Typical Spanish". Sí, ha habido multitud de thrillers españoles pero con actores españoles y tramas “españolas”, generalmente producidos para el mercado interior. Pero no con un reparto internacional, una trama ambiciosa y una gran producción, a la vez que proyectasen lugares y sitios típicos de España como escenarios para películas extranjeras.  Nos hace falta que surja un nuevo director con ganas de arriesgarse en el mundo de los thrillers…  

(1) Mirad página XXII de “Memorias tras la Cámara”, una  autobiografía de Antonio Isasi, 2004, OCHO Y MEDIO, LIBROS DE CINE. 

(2)  https://www.youtube.com/watch?v=Li1lJTSAjTQ 

(3) General Francisco Franco, en resumen, fue un dictador que ganó la Guerra Civil Española (1936-1939) y seguidamente gobernó en España hasta su fallecimiento, acaecido en 1975. Su legado sigue siendo objeto de debate.  

(4) El guión original de Reid Buckley estaba escrito en ingles. Ver página 284 de “Memorias tras la Cámara”, una autobiografía de Antonio Isasi, 2004, OCHO Y MEDIO, LIBROS DE CINE. 

(5) El Código Hays determinaba lo qué se podía ver en pantalla. Entre sus tres principios generales, figuraba el de que "Nunca se conducirá al espectador a tomar partido por el crimen, el mal, el pecado.” Ver:  https://es.wikipedia.org/wiki/C%C3%B3digo_Hays  

(6) Ver página número 284 de “Memorias tras la Cámara”, una  autobiografía de Antonio Isasi, 2004, OCHO Y MEDIO, LIBROS DE CINE, a partir de : “Mi entrada en Impala…” 

(7) Ver página número 307 de “Memorias tras la Cámara”, una  autobiografía de Antonio Isasi, 2004, OCHO Y MEDIO, LIBROS DE CINE, a partir de: “A pesar del éxito de Un Verano para matar, en Impala S. A. fui repudiado…” 

(8) See:    https://es.wikipedia.org/wiki/Christopher_Mitchum 

(9) See:        https://es.wikipedia.org/wiki/Olivia_Hussey

______________________________________________________________________________________________________________

This is a movie I saw several times as a teenager and became one of my favourites. Later on, as an adult, I kept wondering why it had made such a lasting impression.

This was an “action movie” (as we called “thrillers” then) filmed as a “coproducción internacional” (an “international co-production”). This usually referred to commercial European films trying to compete with Hollywood. To that end those “coproducciones” usually “borrowed” one or two American stars for the occasion. The idea was to make in Europe a movie that looked like a Hollywood blockbuster, so that it would attract audiences the same as it had been made in Hollywood. As a rule, in order to split costs, several producers from different countries joined the budget and each producer had the sole distribution rights in his country’s language (so that, for instance, a French producer would keep the distributing rights in French speaking countries; a Spanish one in Spain and South America and so on…). The results were mixed if not outright bad as audiences usually preferred to see the original than the copy, that is, Hollywood movies made in Hollywood than European imitators. Of course, sometimes these “international co-productions” would strike gold. This happened when they attracted the attention of Hollywood Majors, usually because of their success in Europe. Then, if a Major bought the distributing rights in English for the USA and other English-speaking countries, that would mean  worldwide distribution in English language for these “international co-productions”, the same as if they had been made in Hollywood. 

In the case of “UN VERANO PARA MATAR (“SUMMERTIME KILLER”, 1972), it was a Spanish-French-Italian coproduction, directed by one of my favourites, Spanish director ANTONIO ISASI. The cast was “international” and included Chris Mitchum, a promising actor then who never materialized, Olivia Hussey, of recent “Romeo and Juliet” (1968) fame (directed by Zeffirelli, which launched her career), Claudine Auger, a former Bond girl (“Domino” in “Thunderball”, 1965) and two veterans,  Karl Malden and Raf Vallone. The film was released in New York in more than forty cinemas (1) and distributed in the States by Joseph E. Levine (2), producer of big hits like "A Bridge Too Far" (1977). That is to say, Hollywood believed in that film. 

A NEW GENERATION HERO 

For the majority of Spanish people in 1968 the events that took place in Paris during May 68 were too remote. Spain then was under the firm rule of Franco’s regime (3) and the fact that some students in Paris could bring France to a standstill was quite inconceivable in Spain then. Consequently here in Spain we did not experience (though in my case I was a small boy then) the upheavals that took place in the Western World (the hippy movement, the sexual revolution, May 68, you name it…) at the end of the “sixties”. Somehow these troubles meant the break up between the former generation, the one who had lived through WWII -or the Civil war in the case of Spain- , and the younger one, who was coming of age rejecting the values of their parents. 

Here in Spain we also missed (they were banned because of censorship) all the “rebel” movies that appeared at that time, like “Easy Rider” (1969, by Dennis Hopper), “If…” (1969, by Lindsay Anderson), “More” (1968, by Barbet Schroeder), “La Chinoise” (1967, by Jean Luc Godard)… By “rebel” movies, I’m referring only to movies of youngsters against the establishment, leaving aside other movies of that period, like those of the sexual revolution (as “Last Tango in Paris”, 1972)  or with a political or social intent (as “La Battaglia di Algeri”-, 1966).    

In the case of “UN VERANO PARA MATAR (“SUMMERTIME KILLER”, 1972), we have a hero, Chris Mitchum, who is portrayed -dressed in jeans, never wearing a tie, with long, uncombed hair-, as somebody of this “rebel” generation, also known as the “hippy”, “flower power” or “Love generation”. With hindsight, it was clever from Isasi, the director, to portray our hero as a "rebel" instead of a crew cut guy.  

But what makes our hero different is that he has nothing to do and outright refuses the legacy of the “previous generation”, that of his parents. In fact, he has no father figure or mentor of the "previous" generation (his father's) to lead him or help him through the film. This is an important trait which makes “UN VERANO PARA MATAR (“SUMMERTIME KILLER”, 1972) different from other Hollywood thrillers because, as a rule, in all American movies there's a father figure or a mentor that, at one point, tells the protagonist  what to do and, by following this fatherly advice, the protagonist is set  on the right course. In the case of “UN VERANO PARA MATAR (“SUMMERTIME KILLER”, 1972), one would expect that the character played by Karl Malden, Captain John Kiley, a police inspector who is tracking down our hero, would switch sides to help him. But perhaps because this was not a Hollywood production, what we have instead is a movie where the present generation -that of our "rebel" hero- does not want to owe anything to the "previous" one -the WWII generation or the Civil War generation in the case of Spain-. Taking into account that Isasi, the film director, was over forty when he directed that movie –that is, a member of the "previous" or the WWII generation-, the fact that he portrayed this generation gap, should be added to his credit.  

We learn at the beginning of the movie that our "rebel" hero, Raymond Castor (Christopher Mitchum), witnessed, as a little boy, how his father was killed by a bunch of mobsters who let him drown in a pool after beating him up… 

Next, there’s a still image of the boy with his mother, while we listen to a dialogue between his mother and a police inspector. The mother simply refuses to cooperate with the police to inform on her husband’s killers, as this is the way -she says- we deal with these things.   

So that, in the ways of the “previous" generation, the crime of our hero’s father remains unsolved because this is how things were done by the “previous” generation. 

Then the movie moves to present times (it was filmed in 1972) with the little boy turned into an adult (our hero) and we follow him as he exacts revenge on his father’s killers.  

Here, in what I consider a clever twist of the plot, our hero seems quite an ordinary guy. By that, I mean he’s not heavily built and we are spared any footage or references to his background as a soldier, cop or mobster. That is, he is not shown as a “professional killer”, as somebody that has been “trained” with weapons. So that makes his determination to avenge his father more idealistic because we see him as an ordinary guy intent to get the justice that was denied to his father by the “previous generation”. 

After shooting down two of his father´s killers in NY, then he moves to Rome to kill another one and next to Portugal where lives the last murderer of his father, Alfredi Scarletti (Raf Vallone), a mobster who has moved there to grow wine…  

This allows the movie to offer “exotic locations” such as NY, Rome, Lisbon… plus Southern France and Spain, all in one movie! We must take into account this was in 1972, when “low cost travelling” did not exist.   

On the other hand, one cannot help thinking the fact that the last murderer, Alfredi Scarletti, had moved to Portugal, instead of Spain,  must have been a wink to the Spanish censorship at that time to portray Spain as a crime-free country. As I see it, it was good propaganda for Franco’s regime, to depict neighbouring Portugal as a haven for mobsters and, of course, the USA as a country riddled with crime. Because the official line then, of course, was that there was no organised crime in Franco’s Spain.    

Anyway, all these killings of mobsters understandably worry the NY mafia and the mob´s boss turns to none other than a police inspector, Captain John Kiley (Karl Malden). The boss tells Kiley to take a vacation from his police department, track down the young killer and find him.  The implications of that dialogue clearly show that John Kiley owns his position as a captain in the police department thanks to the mob. That is, he’s a corrupt police officer, besides being a member of the “previous” generation. Here the movie perhaps could have taken a stance against corruption but it doesn’t. After all, this movie was not intended as an allegation against corruption, but as a thriller or an “action movie”. Kiley (Karl Malden) sees the connection between the three killed mobsters and the murder of Ray's Dad twenty years ago. He also remembers the murdered had a son, Ray (Chris Mitchum), and goes to Portugal because he thinks Scarletti (Raf Vallone) will be next on the hitman´s list.  

The last murderer, Alfredi Scarletti (Raf Vallone), proves to be more difficult for our hero, Chris Mitchum. Therefore, Ray (Chris Mitchum) approaches his secretary, beautiful Claudine Auger, in a racing scene still unsurpassed. It’s a very unexpected scene as he sees her leaving Scarletti`s place (Raf Vallone’s) in her car and starts following her with his cross-country motorcycle. By usual standards, this is a pickup scene where he should be driving a sports car, sporting a blazer and challenge her to a car race that would end with her accepting his offer for a drink... Instead here Ray (Chris Mitchum) is riding a motorbike, dressed in his “rebel” attire. It’s an action scene, filmed in a realistic way (there are not impossible acrobatics here) as he tries to catch her attention with some motor bike stunts. This scene finishes with Ray (Chris Mitchum) & his motorbike in the sea...      

What comes next was quite a shocking scene, at least for Spain back in 1972:  Ray comes out of a shower clad in a towel at Michéle’s  (Claudine Auger’s) apartment (after all, it can be argued, he needed a shower after falling into the sea in the previous "pickup scene"), standing in front of her as an “object of desire”. She then takes the lead on him and kisses him.  Until that scene, as a rule, it was the man who tried to kiss the girl. Female roles were always passive. The underlying message was that women in our world, and Spain too, were changing...   

What follows next is a love interlude between Ray and Michéle, filmed in a very "sixties" style: the camera follows them around Lisbon (allowing for some “postcard” or tourist views). We can´t hear their dialogue and all the time there's a sort of Francis Lai's music playing (Lai composed the score of "A Man and a Woman", 1966, and "Love Story", 1970). This brief interlude ends with Michele opening a goodbye letter from Ray, saying "must take a rain check" (4). Here, again, the letter is typed, not in his own hand writing and has no signature. That is, Ray is careful not to leave any leaks behind him. This detail is unimportant in the plot but helps to show that Ray, even though he’s young, he’s taking no risks.  

What is not shown in this interlude but it's implicitly understood is that Ray has seduced Michèle to obtain information on her boss, Scarletti (Raf Vallone).  That way, Ray learns where Scarletti has his vineyards and that he has a daughter studying at University in France.  

So that after this love interlude, we see Ray with a rifle in a hideout, waiting for Scarletti to come out to his vineyards. He does, riding a horse with his body guards, also on horse and carrying shotguns. Again one thinks, this scene wouldn't have pleased the Spanish censorship if that vineyard had been located in Spain. So that cleverly, in my opinion, Isasi placed that scene in Portugal. Ray misses his shot because he's blinded by a car arriving on the spot, carrying Kiley (Karl Malden). What comes next is a wonderful chase, which reminisces of a western, that has the body guards on horse riding after Ray who manages to escape on his motor bike. Again, this scene is filmed in a quite realistic way, without impossible acrobatics. I remember seeing another one in a Van Damme extravaganza, called "Nowhere to run" ("Sin escape"; 1993). But, of course, in a Van Damme movie (like in the case of Stallone or Schwarzenegger), there's never any doubt of who is going to win...   

 After the failed attempt by Ray (Chris Mitchum) on Scarletti (Raf Vallone), Kiley (Karl Malden) realises that there has been a leak in Scarletti's organisation. So that we see him knocking at Michèle's door (Claudine Auger) to question her. In another scene that shows that times were changing, he asks her if he she had recently met a young man and to describe him. "Beautiful", she answers Kiley. This is an answer that shows Michèle felt more of a physical attraction than pure love towards Ray. Again, in my opinion, up to that moment just men were "allowed" to describe a relationship with a woman as just sexual or physical, while women were always expected to fall inevitably in love.  

Next Ray travels to South of France and kidnaps Scarlatti’s daughter, beautiful Tania (Olivia Hussey). Here, regarding what we said before of the “previous “and the "rebel" generation, we must point out that Tania (Olivia Hussey) is also a "rebel". That is, she is not somebody ready to comply with the wishes of her father or the "previous" generation -that from WWII or The Spanish Civil War-. This sets her apart from Michèle, who after all was somebody who was happy working with Tania's father, that is, with the "previous" generation that Ray so blatantly refuses. Instead, in the case of Tania, first thing we see of her is that she is putting an end to a relationship she had with a Professor older than her. Taking into account that she's the daughter of a Mafia boss and one would expect her to obey her father blindly, that breaking up with an older man shows that she is an “independent spirit”. All in all, that scene with the Professor proves, in my opinion, that she doesn´t care about the values of her Dad's generation            -the "previous" one-. So that somehow she belongs or is part of what I call here the “rebel” generation, Ray’s generation.   

As we said before, Ray kidnaps Tania and takes her to a hideout he has in Spain, near Madrid, a house on a lake. Meanwhile, Scarletti (Raf Vallone) learns that Michèle (Claudine Auger) has had an affair with the guy who has tried to kill him and orders his henchmen to finish her off.  Here, one thinks that Michèle has just been a pawn in the game: fooled and rejected by Ray (Chris Mitchum), not warned off by Kiley (Karl Malden), though of course Kiley was in an impossible position as he couldn´t turn Scarletti in... Following our previous assertion that this movie reflects a generation gap, one thinks that she dies because she wouldn´t "break free" from her ties with the "previous" generation.  

A split then takes place between Kiley (Karl Malden) and Scarletti (Raf Vallone), as the latter asks Riley to leave the kidnapping of his daughter in his hands.  So that then Kiley will continue on his own to follow Ray's whereabouts.   

Next we see how develops the relationship between Ray and Tania in the house on the lake, that is, between jailer and captive. She is not cowed by him and tries to escape at any opportunity (after all, she's also part of this "rebel" generation as is Ray). It is interesting to point out that he doesn´t exert violence on her to keep her under control. Here Isasi, the director, followed a different path. Anyway, there are a couple of "character traits" scenes worth mentioning: 

a) In one we see Tania (Olivia Hussey), inside the house on the lake, making a shaft to use against Ray. She is awake at night while Ray is sleeping, but she cannot bring herself to kill him in "cold blood". Even if she's the daughter of a mobster who has no qualms about killing people, she is not cast of the same mold.  The following morning she finally summons up her courage to use her shaft on Ray and misses. Clearly her opportunity to finish him off was while he was sleeping...  

b) In the other scene, she manages to escape from the house, swims to Ray's motor boat and is trying to start it but fails. In the ensuing struggle with Ray, she hits her head and becomes unconscious. Next we see her in bed. She wakes up and asks Ray where her clothes are. He answers they are drying. What is interesting in that scene is that he doesn´t convey the impression of a pervert. In the case of Ray, it looks more like a caring gesture.  

Another way to look at these scenes is through Hitchcock: 

a) The first one reminds me of the "oven scene" in "Torn Curtain" (1966): it's a much commented scene where Paul Newman tries to kill an enemy by suffocation inside the oven. It was said that this scene showed the hardships to kill somebody in a realistic way. Well, I'd say that Tania's scene with the shaft is of the same kind. But, in the case of Hitch, his "oven scene" is quite gruesome. While in Isasi's, Tania's action is understandable, even excusable.    

b) The "drowning scene" in "Vertigo" (1958). After Madeleine (Kim Novak) tries to commit suicide jumping into the sea, Scottie (James Stewart) rescues her and takes her to his apartment. In a very shocking scene at the time, she wakes up in a bed without her clothes. Scottie tells her they are drying in his kitchen. No matter how a nice guy James Stewart may seem to you, one cannot help thinking he's been a Peeping Tom while undressing Kim Novak... Instead, in "UN VERANO PARA MATAR (“SUMMERTIME KILLER”, 1972), the same scene with Ray (Chris Mitchum) gives the impression of a “caring gesture”.  

 After what can be called a rocky start, the young couple fall for each other. Here the movie seems rather "cliché" to me: both Ray and Tania felt neglected in their childhood: we see that she cares for him and finally they make love, all filmed in a paradisiacal setting. Needless to say, Tania (Olivia Hussey) seemed, in that movie, the dream girl of every youngster. But, then, we're not at a "love picture" but a revenge thriller instead.  There´s an interesting dialogue where Tania asks Ray what if she had committed suicide during the time she was secluded in the house on the lake, implying that he wouldn´t then have a hostage to ransom. He then tells her he had spied her in France and that he was pretty sure she was not the kind of girl who would commit suicide. This could have led to an interesting dialogue about their personalities (as the one that Robert Redford and Faye Dunaway have in "Three days of the Condor" (1975), where he also kidnaps her). But "UN VERANO PARA MATAR (“SUMMERTIME KILLER”, 1972) doesn´t pursue this line. On the other hand, as they develop their relationship, there are no qualms on Ray's side about his intention to kill Tania's father (Raf Vallone) to fulfill his revenge.  Besides, there's no mention of what random Ray is asking for or of  Ray's escape plans for the near future [we mustn´t forget that, after all, he intends to kill Scarletti (Raf Vallone), then free his daughter, Tania. So that he ought to have somewhere in mind where to go...]. One thinks that, for instance, when Ray goes to "Las Ventas" in Madrid to post his random letter to Scarletti, he could have been seen going to a post office box or to a safe box, where he could have fake documents ready for his escape...  This is not idle talk at all because, while Ray and Tania are in the house on the lake, we can see Kiley closing on him as he follows his trail to his apartment in Madrid, where he finds out about Ray's place on the lake... One cannot help thinking that, up to that “love interlude” on the lake, Ray seemed a very careful man while, afterwards, he seems to have thrown caution to the wind. Luckily, this short “love interlude” doesn´t last too long…  

What comes next is the third act or the explosion in the film. Ray leaves Tania locked in the house on the lake and goes to "Las Ventas", the bullring, in Madrid. This is one of the odd moments in a movie where the blending of what is called "Typical Spanish" with a modern thriller is pulled off. By "Typical Spanish" I refer to bull fighting, flamenco dancing and other long standing traditions in Spain. By contrast, in "Knight & Day" (2010), a Tom Cruise extravaganza, there were some action scenes filmed supposedly in "Las Fallas" fireworks in Valencia and in the "Procesiones" in Seville, that were outright ridiculous. Not in ”UN VERANO PARA MATAR (“SUMMERTIME KILLER”, 1972), where the atmosphere in the bullring helps to increase the tension in the movie's final confrontation. This is another credit to Isasi, the director. In a way, it reminds me of the ending of "The Godfather Part  III" (1990) at the Teatro Massimo in Palermo, where the live performance of "Cavalleria Rusticana"  helps to increase the tension of what's going on in the film. Ray cannot bring himself to kill Scarletti (Raf Vallone) at the last moment, because of his daughter, and gets wounded in one leg by a shot of one of Scarletti's henchmen. He manages to escape from the bullring and, once outside, "borrows" (steals) a motorbike. The ensuing chase takes place. It ends with a spectacular collision on a motorway, where once more the old proverb of a dog being man's best friend will prove right... Cleverly, in my opinion, no Spanish police intervenes as, then, by rules of the censorship, one thinks everybody would have been caught at the end of the chase... Somebody told me that this final chase delivered "less than expected", in the sense that there were not enough stunts and explosions. I disagree with that. I think that this final chase followed in the tradition of "Bullit" (1968) and "French Connection" (1971): car chases filmed in a realistic way.  It was not till the eighties (of the last century), again this is my opinion, when action movies became too noisy, with a lot of incredible stunts and explosions due to the "Lethal Weapon", "Rambo" and "Terminator" series. I, for one, prefer the "Bullit” style.    

Ray (Chris Mitchum) finally manages to get to the house on the lake, where a surprise is waiting for him. In quite an ellipsis, we see Kiley (Karl Malden) inside the house with Tania (Olivia Hussey). There's no explanation on how he has managed to get to the house in the middle of a lake. Ray arrives, walks in and is disarmed by Kiley. Next we see Tania mending his wound. At Ray's questions, Kiley tells him that it is not Scarletti (Raf Vallone), Tania's Dad, who sends him, but somebody above Scarletti. Again, this could have led to an interesting dialogue on their respective reasons, but the dialogue ends there. The following day, we learn that Ray's wound is not serious in Kiley's opinion and that Tania is in love with Ray. They leave the house on the lake and next Kiley is driving a car with Ray's handcuffed and Tania at the back nursing Ray's leg wound. We aren´t told where he's driving them (whether to Scarletti's, to a rendezvous...). Both Ray and Tania seem rather dispirited, ready to accept their fate when, at a highway stop, Kiley pulls over and, totally unexpectedly, frees Ray and tells them to escape in his car. Here I think an explanation was due on Kiley's reasons to free Ray. After all, he had been instructed at the beginning by the mafia boss to find the culprit and kill him or hand him over to them. One thinks that Kiley, by freeing Ray, is for the first time breaking with his past as a corrupt officer. So that, again this is my opinion, a flash back explaining us how he had got involved as a young policeman with the mafia would have seemed appropriate after this scene of Kiley freeing Ray. Either just a quick flashback of the face of a mobster talking in front of the camera, thanking Kiley  for covering up and promising they would look that he got  promoted in the police force by giving him leads before anybody else... or  an off-screen voice that Kiley remembered, after freeing Ray, saying the same thing.  As it goes, Kiley seems to have freed Ray and Tania to help them live their romantic love story. At the end of the movie it seems that Ray and Tania have managed to escape because they are last seen in a car driving and next the mafia comes looking for Kiley... (After all, he didn´t fulfill his side of the bargain: he didn´t deliver Ray to them).  Here I think that a letter of Tania addressed to his Dad (Raf Vallone), even if we didn´t read or hear its contents, was needed as this would show that Tania, in the movie, was parting with her Dad, that is, taking side with the "rebel" generation and rejecting her Dad's -the "previous" generation-. Even Scarletti (Raf Vallone), after reading that letter, could have instructed his henchmen or his boss in NY to stop looking for his daughter. In the final moments of the film, we see Kiley remembering the young couple but, to add more confusion, he remembers Ray in a black and white picture he had found in Ray's apartment in Madrid. This B/W picture was of Ray as a young kid with both his parents. Did Kiley have something to do with the killing of Ray's father? Or did he have a bad conscience for looking at the other side when that murder took place? Again, as Kiley doesn´t seem the kind of guy who would throw over his career in the police to help a young couple in love, this is why I think the flashback or the off-screen voice of the mobster, thanking Kiley  for his help and promising him a bright future in the police force, was needed.  

A FILM NOIRE IN COLOUR?  

I consider "High Sierra" (1941), the film by Raoul Walsh that launched Humphrey Bogart into stardom, the blueprint of all "Noir" films. This is a genre that originated in Hollywood in the thirties of the last century. Arguably, it was a result of the Great Depression that in the USA led to more gloomy or social conscious movies to portray the hardships of that time. As somebody said on a TV debate on "High Sierra", it's a movie where you can see from the very beginning that our hero, Roy Earle (Humphrey Bogart), will end up bad. "Noir" films, as a rule, were pessimistic: no matter how hard the hero tried to redeem himself, he would always end in the gutter.  The B/W picture helped to depict their gloomy atmosphere and most of the action took place at night, in the darkness of the cities (opposite to westerns, the landscape of "Noir" films was urban). Their endings always had moral connotations in accordance to the rigid standards of the Hays Code (5). More or less this "blueprint" for "Noir" films carried on till the sixties.  

In the seventies a new style of "Noir" films developed. They were movies filmed in colour, in an optimistic mood, with plenty of light and open spaces, a hero with a rebel spirit against a society who had mistreated him, and an ambiguous ending, when not an open one.  For a while I thought "The Getaway" (1972), by Sam Peckinpah, was the turning point of that new trend in "Noir" Films. It has an open ending as "UN VERANO PARA MATAR" ("SUMMERTIME KILLER", 1972): in both movies the starring couple escapes by car into the future... (Mind you, "The Getaway" had in Spain an imposed ending by the Spanish censorship in 1973: at the end it was added a still picture of Mc Queen in jail from the beginning of the movie, while a voice in off told the audience he had been arrested in Mexico and was serving time in a federal prison in the USA. Don´t know why Isasi's movie fared better). But I think "UN VERANO PARA MATAR" ("SUMMERTIME KILLER", 1972) is more significant than "The Getaway" because the latter can´t escape Hollywood's tradition of a "father figure". As we mentioned before, as a rule, in all American movies there's a father figure or a mentor that, at one point tells the protagonist what to do and, by following this fatherly advice, the protagonist is set on the right course. This can be seen in movies as wide apart as "The Getaway" (1972) and "Once Upon a Time in Hollywood" (2019). 

In the case of "The Getaway", we follow Doc and Carol Mc Coy (Steve Mc Queen and Ali Mc Graw) as a sort of a new Bonnie & Clyde couple, running away from their gang and the police. As the movies gets to its end, we can´t help the feeling that they´ll finish shot down. But, then, they happen to hitch-hike a pickup truck and the driver, an old man played by a Hollywood veteran, Slim Pickens, realising they are in trouble, offers to take them to Mexico without asking questions. In this old driver's opinion, the important thing is that they are married and they remain together. So he takes them across the border. Next Carol and Doc buy his truck overprized (so as to buy his silence) and they continue into Mexico while the driver happily walks back home...  This old driver, in my opinion, plays the father´s figure to Mc Queen and Mc Graw. The moment he tells them to remain together, one gets the impression that everything's going to work fine... And by following his advice and through his help (he drives them to Mexico) they remain free in the end. It can be argued from a moral stance that both Doc and Carol had been coerced by a gang to hold up a bank: that afterwards this gang had tried to double-cross them: that they had only shot down gang members but not the police, in spite of putting out of circulation a fair amount of police cars... So that somehow they deserved their freedom at the end of the movie.  

 A similar conclusion can be achieved from such a recent film as "Once Upon a Time in Hollywood" (2019). In it we see, at the beginning of the movie, that Rick's movie career (Di Caprio's) is in decline and so it goes. It's not till he pays heed to his movie agent, Marvin Schwarz (Al Pacino) and goes to Italy, that his career rebounds. So that Al Pacino plays the fatherly figure to Rick Dalton (Di Caprio), telling him what to do.  

In the case of "UN VERANO PARA MATAR" ("SUMMERTIME KILLER", 1972) there is an open end but no fatherly figure. So this is why I choose it as the new trend in "Noir" Films that here I call "Noir Films in Colour". 

  

A BRAVE NEW DIRECTOR NEEDED 

  

"UN VERANO PARA MATAR" ("SUMMERTIME KILLER", 1972) had no continuity. Isasi, in his memories, said that he had a contract to make  “a number  of big budget films with an international outlook”(6) but he only made the first, this one, because of a disagreement with the producers (7). As for its actors, one would expect Chris Mitchum and Olivia Hussey to follow a successful career. But, in movie business, apparently nothing comes out as expected.  

In the case of Chris Mitchum (8), I thought at the time he had found a goldmine in "motorbike" thrillers. But he just made two more rather forgettable movies sporting a bike: "Murder in Blue world" (1973), a Spanish imitation of “A Clockwork Orange" when at the time the original was banished in Spain (hope you can make sense out of this), and "Ricco the Mean Machine" (1973), an Italian gory movie that I have never seen. Next he had a steady career of more than sixty films in what are known as "B" movies till 2012. As for Olivia Hussey (9), she also did not reach stardom, though she worked in more than 40 films till 2007. After making such big hits in Europe as "Romeo and Juliet" (1968) and "UN VERANO PARA MATAR" ("SUMMERTIME KILLER", 1972) one thinks she needed a big hit in Hollywood but she didn´t get it. She appeared in "Lost Horizon" (1973), a remake of a classic, filmed with a big budget and featuring an international all-star cast that was a flop. This one perhaps should have been her ticket to success had it gone otherwise.  

As for the two veterans, Karl Malden, in what seems a follow-up of his role as Captain John Kiley, he went to star with a young Michael Douglas in "The Streets of San Francisco", a TV series which ran from 1972 to 1977. In this series, Karl Malden played a sort of fatherly figure or mentor to Michael Douglas's character but without the complexities of his role as Captain Kiley. Let’s say that he played it safe in those series: his character, Lt. Michael Stone, a veteran cop and a widower was what we could call a “flat” or simple character. All in all, his career spanned for more than fifty years in theaters and movies.  

As for Raf Vallone, he is well remembered for his role as Cardenal Lamberto in "The Godfather Part III" (1990), where he had one of these unforgettable scenes in movies when he convinces Michael Corleone (Al Pacino) to make confession and then hears it and absolves Michael from his brother’s murder. 

"UN VERANO PARA MATAR" ("SUMMERTIME KILLER", 1972) remains as a “standalone film”, in the sense that there were no other thrillers which followed it with a “rebel” hero on motorbike or with what I called before, a "Typical Spanish" atmosphere or setting. Yes, there have been a lot of Spanish thrillers but with Spanish actors and “Spanish plots”, usually made for the local market. But not with an international cast, an ambitious plot and a big production while, at the same time, enhancing the locations of Spain as a set for foreign movies. A new director is needed to explore this venue in thrillers…  

  

(1) See page XXII of “Memorias tras la Cámara” (“Memoirs from behind the camera”), an autobiography by Antonio Isasi, 2004, OCHO Y MEDIO, LIBROS DE CINE. 

(2)  https://www.youtube.com/watch?v=Li1lJTSAjTQ 

(3) General Francisco Franco, to put it short, was a dictator who won the Spanish Civil War (1936-1939) and later on ruled Spain till his death in 1975. His legacy is still subject to discussion. 

(4) The original script by Reid Buckley was written in English. See page 284 of  “Memorias tras la Cámara” (“Memoirs from behind the camera”), an autobiography by Antonio Isasi, 2004, OCHO Y MEDIO, LIBROS DE CINE, from: “Incorporada la decisiva idea  de que la víctima estuviera  encerrada en una casa flotante en el pantano de Entrepeñas, y pulidos  y puestos al día los diálogos en inglés por Reid…” 

(5) The Hays Code dictated what could be seen at movies. It banned crime, wrong doing, evil or sin: “The Code was based on three general principles: 

- No picture shall be produced that will lower the moral standards of those who see it. Hence the sympathy of the audience should never be thrown to the side of crime, wrongdoing, evil or sin.” 

http://www.screenonline.org.uk/film/id/592022/  

 (6) See page number 284 of   “Memorias tras la Cámara” (“Memoirs from behind the camera”, an autobiography by Antonio Isasi, 2004, OCHO Y MEDIO, LIBROS DE CINE), from: “Mi entrada en Impala…” 

(7) See page number 307 of  “Memorias tras la Cámara” (“Memoirs from behind the camera”, an autobiography by Antonio Isasi, 2004, OCHO Y MEDIO, LIBROS DE CINE), from: “A pesar del éxito de Un Verano para matar, en Impala S. A. fui repudiado…”  

(8) See:    https://es.wikipedia.org/wiki/Christopher_Mitchum 

(9) See:        https://es.wikipedia.org/wiki/Olivia_Hussey   

En Barcelona, a 22 de mayo de 2020.